Riflessi e riflessioni, immediate luminosità emozionali evocate direttamente dal colore, astrazioni geometriche che catturano la loro essenza all’interno di un universo immaginario, malinconico e infinito. Un universo dove persistono tracce di umanità destinate a viaggiare lentamente in traiettorie precise e decise. Oggetti in costante mutamento immersi in uno scenario che apre i propri confini a intime riflessioni generando inquietudini, vibrazioni emozionali e sentimenti. Pezzi d’anima che vagano nel tempo nell¹attesa di un “orizzonte degli eventi” che deve ancora accadere. O forse è giá accaduto? Riflessi e riflessioni, che si susseguono nella nostra mente. Si intrecciano, inalzandosi nell’infinito, avvitati tra loro come i tralci di un vitigno, ruotano e si inabissano fendendo di colori il buio Il tutto in un rigoroso, completo, profondo silenzio.Laura Migotto
L’intuizione di Giocampo si avvicina alla costruzione utopica di una realtà terrena, sia essa architettura che natura, stemperata da elementi di forte spiritualità. Figure angeliche sospese in cieli in cui il colore digrada quando raggiunge la terra, come a completare un processo di purificazione celeste o semplice luce che rischiara innocenze ormai desuete, sono il forte richiamo che l’Artista spende nella ricerca di una nuova leggerezza dell’ Anima. Il suo è un approccio sistemico e causale, attraverso il quale l’artificio diventa natura e spirito ed indica nuove vie ad Umanità assenti e distratte che, usando le parole dello scrittore Ambrogio Brazzero, ormai troppo spesso, vestono abiti di lusso per coprire povertà di cuore. Angelo Andriuolo
Riflessi d’interiori realtà o di semplice fantasia creativa. C’è forse un messaggio da cogliere, o è semplicemente un gioco compositivo dell’Autore Spetta all’Osservatore valutare e discernere, di fronte ad una elaborazione artistica.”Sentire dentro” quanto si vede, può forse indurre al soffermarsi su realtà concrete, anche se non evidenti, ma soltanto suggerite. L’immagine, quindi, come “riflesso” di un qualcosa d’intrinseco, parte essenziale di quel ”trait d’union” fra una realtà oggettiva, chi afferrata la elabora, attraverso il proprio operare interpretativo, e chi infine ne osserva il risultato. Se c’è, il “messaggio”, corre su questo “filo”. Questo può passare anche attraverso visioni di possibili dimensioni esistenziali, metafisiche, oniriche, dove ancestrali oscurità si alternano a squarci e frammenti di luce, come le diverse tonalità del colore con il loro potere vitale. Tutte parti integranti di quel gioco compositivo, in cui la ricerca di bellezza ed eleganza sembrano ulteriore indicazione subliminale,”sintomo”, di uno status interiore dell’essere, che comunque trascende da quella Bellezza Assoluta, Artefice stessa del “Kosmos”. Giovanni Camponeschi Giocampo
La tavolozza dei colori di un pittore é a tutti gli effetti il suo marchio di fabbrica, più della firma stessa. I colori di Laura Migotto non concedono possibilità di errore circa l’attribuzione dei suoi lavori. I colori parlano per lei con forza e decisa presenza, quasi in contrapposizione con il modo che Laura ha, di essere defilata e riservata. In un mondo di atteggiamenti autoritari, di protagonisti che si considerano adeguati a qualsiasi sfida, la sfida che conta è vinta da professionisti che come Laura sono autorevoli nella qualità del lavoro e del modo di essere… Giorgio Bertozzi
Credo che pochi posti al mondo siano come Istanbul una enorme concentrazione di mercati e mercanti. Mercanzie uniche, incredibili, improbabili vendute ovunque e presentate come nessuna altra vetrina potrebbe fare tanto da poter affermare che: Istanbul è la città dai mille bazar Spezie, libri antichi, incisioni, tappeti, oggetti in rame, gioielli, cristallerie, mosaici, si trova di tutto a Istanbul e si può comprare di tutto a condizione di trovare il bazar giusto, il mercato adatto! Il più famoso di tutti è senza dubbio il Gran Bazar, che rappresenta da solo un intero quartiere, alle porte del ponte di Galata. È un vero e proprio dedalo di strade traboccante di bottegucce colorate, un labirinto animato da un’attività febbrile, è ciò che rimane dei caravanserragli antichi. È anche il più grande mercato coperto del mondo, con le sue stradine coperte di volte dipinte da cui traboccano mercanzie, una più esotica dell’altra. Il Gran Bazar fu creato dal sultano Mehmet II, nel 1453, restaurato più volte, conta oggi numerose entrate. Le più pratiche sono la porta di Carsikapi, vicino alla fermata del tram di Beyazi, o quella di Nuruosmanyie, vicina alla moschea con lo stesso nome. Niente panico, è impossibile perdersi nel Gran Bazar di Istanbul: si ritrova sempre l’uscita, grazie a un mercante, un cliente o… un cartello indicatore! Dei caffè calorosi permettono di ristorarsi, quello di Sark Kahvesi per esempio è molto attraente in quanto è frequentato dai mercanti del bazar. Colore locale garantito! Un buon indirizzo per una pausa: l’Havuzlu Lokanta… di cui parlerò un’altra volta perchè invece ora due parole vanno spese per sua maestà il SIMIT, lo squisito pane a ciambella. Come ci si potrebbe immaginare Istanbul senza i caratteristici venditori ambulanti di Simit che attirano i passanti con i loro richiami e sono ovunque con gli altrettanto noti carrelli famosi quanto i minareti delle moschee. Vale proprio la pena farsi attirare dai richiami e assaporare l’antico e fragrante sapore di questi dorati anelli di pane…
Sanat alanında, sanatçıların “adını duyurmasına” olanak tanıyacak yol arayışları giderek daha yoğun hale gelmektedir. Bu yollar içinde sanat galerileri, sanatseverler ve sanat tacirleri, hatta günümüzde daha çok kullanılan deyimlerle ifade edersek, sponsorlar, internet, eleştirmenler, müzeler ve müzayede evleri hiç kuşkusuz en önemli ve zorunlu olanlarıdır. Daha öz bir ifadeyle bunları “üreticiden” “tüketiciye” kadar götüren zincirin halkaları olarak tanımlayabiliriz.
Müzeler ve sanat galerileri, günümüzde dünyanın dört bir yanında gerçekleşen büyük miktarda sanat üretimi dikkate alınacak olursa, sanatçıların ve sanat eserlerinin sadece çok küçük bir yüzdesini sergilemektedirler. Zaten internetteki başlıca social network’lere yada sanat temalı portallere girdiğimize, kafamızda üretilen bu miktarın boyutu hakkında belli bir fikir oluşabilir. Nitekim internet bugün milyonlarca sanatçının eseriyle dolmuş durumdadır. Bir ara bu temel vitrinlerden de söz etme fırsatı bulacağım. Venedik Biyenali gibi tarihi ve prestijli sergiler son yıllarda organize ettikleri etkinliklerde bir şekilde yükselmekte olan trendlere yer verdiler. Bu da kanaatimce bu biyenallerin, üretim tarafından gelen baskıyı zayıflık yada bazı sınırlar nedeniyle bertaraf edemeyerek seçici olmak gibi önemli ve gerekli bir fonksiyonlarını kaybetmelerine yol açtı.
Bu tür yöntemlerin görüntü dışında sanata ve sanatçılara fazla bir yardımı dokunmamakta, kafa karışıklığı yaratmak ve boş umutları beslemekten başka bir katkısı olmamaktadır. Bir zamanlar biyenale katılmak halka sunulma sürecinin varış noktası addedilirdi; şimdi ise bir çokları için sadece herhangi bir noktadan başka bir şey değil. Sanat galerileri ve sergi alanlarının sayısındaki çoğalma bu sürece katkı sağlar gibi görünse de, üstte saydığım nedenlerden dolayı bu katkı azaldığı gibi, pazarın, bir sanatçının değeri ve kalitesine ilk yatırım yapan kişi ve bir otorite olarak gördüğü sanat galerisi sahibinden beklentilerini bir kaç istisna dışında gitgide azaltıyor.
Sanat fuarları, sanatsal üretimin sunduğu ve artık dünyanın bütün ülkelerindeki özel ve resmi sergi alanlarının kapasitesini aşan büyük arz miktarına bir yanıt olarak karşımıza çıkıyor.
70’li yıllardan başlayarak sanat fuarları sayılarını arttırıp yerlerini sağlamlaştırdılar ve Basel’den sonra Avrupa’nın Bologna, Paris, Köln, Milano gibi diğer merkezlerinde de yer almaya başladılar… Finans piyasalarındaki krizlerin sanat sektöründeki yansımaları neticesinde ortaya çıkan ekonomik zorluklara rağmen, bu fuarlar artık konsolide olmuş birer gerçek.
Zaten İtalya gibi kültürel etkinliklerin son derece zengin olduğu bir ülkede bile son yıllarda sanat fuarlarının Padova, Arezzo ve Reggio Emilia gibi küçük ve orta ölçekli kentlerde yaygınlaşmalarını tesadüflere bağlamamız yanlış olur. Bu yaygınlaşma sürecinin arkasındaki sır eserlerini sergileyen sanatçılara verilen hizmetlerin çok kaliteli olmasında ve bu eserlerin yoğun sanatsever kitleleri tarafından izlenmesini sağlayan ciddi reklam etkinliklerinde yatıyor. Başarının diğer anahtarları; fuarlardaki dekor, donanım ve aydınlatma sistemlerine gösterilen özen, pavyonlardaki yan hizmetler, kaliteli yeme-içme alanları, sanat dergisi ve katalog editörlerine ayrılan standlar ile özel bazı etkinlikler diyebiliriz. Bu sene Reggio Emilia’da sergilenen eserler arasında Emilio Vedova, Renato Guttuso, Venturino Venturi’nin seçme eserleri, Pinocchio (Bir kuklanın hikayesi adı altında sunulan İtalyan usulü bir “Pop-Pinocchio”), kişisel sergiler, sanat konferansları ve buluşmaları gibi etkinlikler yer aldı.
Sonuç olarak, uluslararası üne sahip Maestro’dan tutun, konuk akademi öğrencisi kimliğini taşıyana varıncaya kadar, eser sergileyen her bir sanatçı kendi eserinin New York MOMA’da bir Andy Warhol eserine gösterilen özenle sergilendiğini fark etti. Üstelik eserlerinin İtalya’nın en iyi sanat editörleri tarafından gerçekleştirilen fuar kataloglarında yer alması da, sanatçılar için otomatikman önemli galeriler tarafından görülmek anlamı taşıyor. Nitekim bu katalogların, fuar ve sergi gibi etkinliklerin bir hikayesini içeriyor olmaları nedeniyle, aynı zamanda başlattığımız araştırmanın zorunlu geçiş noktalarından birini oluşturan önemli birer çalışma enstrümanları oldukları yadsınamaz bir gerçek.
Marina Consolidani, Francesco Tozzi, Caroline Lucas, Maria Vittoria Pitolli, Anna Tartaglia, Paolo Sansonetti, Lanny van Triet, Massimo Flamini
Contrabbassi:
Marco Contessi, Fabrizio Furnari, Giampiero Gabrielli
Pianoforte e Tastiere:
Federico Lande
Programma
G. Donizetti Sinfonia per fiati
W. A. Mozart Adagio dal concerto per clarinetto K.662
W. A. Mozart Danza tedesca k.567 in Do maggiore
L. van Beethoven Adagio Allegro con brio dalla Sinfonia n.1 in Do maggiore
G. Donizetti “ Cantiam facciam brindisi” dall’Elisir d’amore
G. Verdi La Gitana da “Il Trovatore”
G. Verdi O Signore dal tetto natio da “I Lombardi alla prima crociata”
G. Verdi Brindisi dalla Traviata
J. Strauss Radetzsky Marsch
Morretta Sabato: ha compiuto gli studi musicali presso il Conservatorio Statale di Musica “G. Martucci” di Salerno diplomandosi in Clarinetto con il massimo dei voti e la lode. Ha poi continuato gli studi conseguendo presso il Politecnico Internazionale “Scientia et Ars” e il Conservatorio Statale di Musica “F. Torrefranca” di Vibo Valentia il Diploma Accademico di II Livello in “Musica, Scienza e Tecnologia del Suono” e presso il Conservatorio Statale di Musica di Salerno il II Livello Abilitante in Didattica della Musica Strumentale in Clarinetto. In seguito presso la Libera Università “LUSPIO” di Roma consegue il Master di I Livello di durata annuale in Didattica e Diversità, contenuti essenziali della formazione di base dell’insegnante curriculare.
Partecipa a vari corsi di Specializzazione alla Professione d’Orchestra e Master di Perfezionamento tra i quali: Festival delle Nazioni di Città di Castello (PG), perfezionandosi con Clarinettisti di fama internazionale quali: Fabrizio Meloni 1° Clarinetto dell’Orchestra del Teatro alla Scala di Milano; Alessandro Carbonare 1° Clarinetto dell’Orchestra dell’Accademia Santa Cecilia di Roma, Dan Avramovici 1° Clarinetto dell’Orchestra Filarmonica “G. Enescu” di Bucarest (Romania).
Risultato Idoneo come 1° Clarinetto al Concorso Internazionale per la formazione dell’Orchestra Sinfonica “Mario Nascimbene” di Orsogna (CH), ne sono seguiti una serie di concerti tra cui quello dedicato alla memoria del Maestro Mario Nascimbene tenutosi nel giugno 2004 presso l’Auditorium Parco della Musica di Roma “Sala Sinopoli”, sotto la direzione di Luis Bacalov, eseguendo musiche di Prokofiev, Ravel, Grieg, ecc…
Primo Premio a vari Concorsi Nazionali, Europei e Internazionali tra i quali: 2° Concorso Europeo d’Interpretazione Musicale “Città di Acri” (Cs), classificandosi 1° Assoluto con un punteggio di 100/100.
Docente di “Clarinetto” presso l’I.C. “L. De Seta” di Fuscaldo/Marina (CS). Tra le attività conta concerti con l’Orchestra S.E.M. (Scuola Europea di Musica) di Perugia e con l’Orchestra della Scuola Superiore di musica di Aosta. Tiene periodicamente “Clarinet Master” in varie Associazioni ed Enti Musicali sulle problematiche concernenti la respirazione, postura corretta durante l’esecuzione e difficoltà tecnica nella prassi esecutiva del clarinetto. Inoltre ha maturato un’intensa esperienza concertistica sia come solista che con varie formazioni da camera.
Orchestra Sinfonica S. Croce di Roma
L’Orchestra Sinfonica S. Croce della Basilica S. Croce al Flaminio è stata fondata dall’attuale direttore M° Arman Azemoon nel gennaio 2011. Inizialmente composta da un piccolo gruppo di musicisti professionisti e amatori, è ormai al completo nel suo organico. Essa si propone l’importante intento di promuovere e valorizzare la pratica della musica d’insieme: attività ancora poco diffusa nel nostro Paese, ma capillarmente estesa nel nord d’Europa. Il progetto è dedicato a tutti quei musicisti che, pur avendo percorso una strada professionale diversa da quella musicale, continuano a coltivare la loro naturale passione artistica. Gli obiettivi dell’Orchestra S. Croce è promuovere e coltivare la passione e l’educazione all’arte e al bello. Praticare la Musica è il modo migliore e più contagioso per la diffusione della cultura musicale.
Arman Azemoon
Compositore e direttore d’orchestra
Arman Azemoon nato a Teheran (Iran), diplomato in Pianoforte al Conservatorio di musica di S. Cecilia in Roma sotto la guida della Prof.ssa Lea Cartaino e successivamente in Composizione al Conservatorio “A. Casella” dell’Aquila sotto la guida del il M° A. Cusatelli . Ha frequentato i corsi di direzione d’orchestra del M° Ennio Nicotra all’Accademia Musin di Perugia.
Ha svolto varie attività concertistiche come pianista, accompagnatore, arrangiatore, compositore e direttore. Ha collaborato come arrangiatore, e compositore di musiche originali in vari spettacoli di teatro e lirica, tra le quali “ Rassegna Poesia dal Medio Oriente” assessorato alla cultura di Roma (1999), Romeo & Giulietta con la Capsa International nei teatri di Roma e Provincia. E’ autore (2005) delle musiche di scena per un musical scritto per bambini: “ In- Canto ” rappresentato al teatro Parioli di Roma. Come maestro sostituto e direttore ha collaborato nella rassegna “ Pergine Spettacolo Aperto” a Pergina Vasugana con i direttori Nicola Samale e Nicola Luisotti. E’ l’ideatore e fondatore insieme al cantante Alessandro Fantini del metodo didattico per cantanti lirici “My personal Conductor” edito dalla Carisch edizioni musicali Milano. Dal 2005 è direttore stabile del Coro “Fulvio Riccioni” di Fonte Nuova (Rm) e del Coro Rosa Proserpio del Soratte a S. Oreste (Rm). Nel gennaio 2011 fonda l’orchestra amatoriale della Basilica S. Croce al Flaminio di Roma assumendone la carica di direttore stabile.
S’il fallait expliquer (ce qui est toujours approximatif), la démarche de Ceccotti, il faudrait considérer que ce peintre est, en quelque sorte, le découvreur des mystères quotidiens, ceux précisément que la majorité des hommes n’est pas capable de découvrir elle-même. C’est ainsi que le peintre peut nous faire rêver ou nous faire peur.
Comme le proposait Baudelaire, c’est toujours la recherche de l’invisible, de l’impalpable, c’est le rêve permanent que l’on doit exiger d’un peintre, d’un poète, d’un musicien.
C’est donc ce que Sergio Ceccotti nous impose. Sans, d’ailleurs, se limiter à une représentation, à ce qu’on appelle un chromo. Chaque toile de Ceccotti pose délibérément une interrogation. Derrière la porte fermée d’une maison qu’il nous fait découvrir, c’est un monde inconnu, une vie secrète, un drame peut-être. Cette fenêtre allumée, c’est la preuve d’une existence qu’il nous fait imaginer.
Les objets que nous supposions familiers évoquent l’arrivée d’hôtes inattendus, des fantômes peut-être. Ceccotti réussit à nous faire pénétrer dans une chambre que nous n’avions connue que dans nos rêves. Quelqu’un nous attend. Cette femme est-elle aussi un fantôme?
Les objets qui nous attendent fidèlement les connaissons-nous? Ils nous offrent leurs services mais nous ignorions les secrets de leur fidélité. Sont-ils des amis ou des ennemis? Cette machine à écrire, ce cendrier, ce gramophone, Ceccotti nous oblige à les interroger. Une lampe voilée devient “l’inspiratrice” d’un poème. Plus étrange, c’est la possibilité d’évoquer l’insomnie. Une femme lit près d’une lampe. Et tous ceux qui ne peuvent dormir ni nuit, ni jour, seront délivrés. Une hallucination, peut-être. Des souvenirs… Et l’intimité. Aussi le désir, l’attente, la patience. Si l’on quitte les chambres hantées pour choisir les avenues de la grande ville, on se heurte à un nouveau mystère. Peindre la nuit dans une ville est une gageure que peu de peintres ont réussi à soutenir. Puis, c’est l’aube dans l’avenue encore endormie. L’heure de l’incertitude ou de l’espérance d’une prochaine journée. C’est bientôt le crépuscule. C’est aussi l’attente, l’angoisse des quais d’une petite gare. La solitude d’une voyageuse sans doute abandonnée. Le jour se lève… et Ceccotti, infatigable, va rechercher, au cours de ses promenades romaines ou parisiennes, les royaumes de l’insolite.
Di seguito l’autorevole testimonianza del Professore Claudio Strinati alla meritoria opera di Michele Paternuosto il grande artista Molisano capace di recuperare la tecnica sviluppata nell’antica Roma, dell’encausto da lui impiegata per riprodurre decorazioni che hanno abbellito anche le famose ville Pompeiane.
Roma 1999
“La bellezza trionfa con la cera colorata e costringe il pittore ad amare la suaopera dando una voce alla cera e una parola alla pittura”
(Alessandro Severo, imperatore romano, 222-235 d.C.)
L’ Encausto è una pittura parietale e da cavalletto. Il termine deriva dal latino “encaustica” che significa pittura a fuoco. Si tratta di un’antica tecnica, già diffusa al tempo degli Egizi, dei Greci e dei Romani. Meglio nota come pittura pompeiana, fa uso di colori miscelati nella cera d’api e fissati e fuoco con appositi ferri detti “cauteri o cestri”.Di questa tecnica non si sa molto, e poco si ricava dalle fonti classiche. Ne parlano Plinio: “Cera punicafit hoc modo ventilatur sub die saepius cerafulva…” (lib. XXI cap. 49 “Naturalis Historia”), e Vitruvio nel “De Architectura”.
Di recente ho avuto modo di vedere alcune opere eseguite da Michele e Luciano Paternuosto, che con la loro tecnica, praticata sin dal 1980, dipingono su intonaco fresco o secco di calce e sabbia, su legno, marmo, terracotta, ecc…, raggiungendo con ognuno di questi supporti un identico risultato cromatico, adoperando colori non compatibili con l’affresco. A mio giudizio, e visti i risultati da loro raggiunti, direi che non si è lontani da un ritorno all’antica conoscenza dell’encausto.
Prof. CLAUDIO STRINATI Soprintendente per i Beni Artistici e Storici di Roma
Roma 2000
II lavoro di Michele Paternuosto sotto la denominazione di Morena Art, è un lavoro in cui la competenza artigianale e lo spirito della ricerca hanno trovato un interessante punto di equilibrio. Alla maniera di certi antichi che ci hanno lasciato insegnamenti preziosissimi inerenti alle tecniche artistiche, Paternuosto ha basato le sue indagini sulla esercitazione pratica e sulla verifica sperimentale delle deduzioni accumulate in molti anni di studi interessanti. II problema fondamentale che si è posto e quello relativo all’encausto e alle sue applicazioni.Si tratta di una domanda che i ricercatori si sono posti da tantissimo tempo con risultati sovente contraddittori. Come era fatto veramente l’encausto? Non e altro che una variante dell’affresco tradizionale, lucidato a cera dopo la stesura, come molti studiosi si sono indotti a credere, o una tecnica specifica applicabile sia alla pittura murale sia ad altri eventuali supporti in cui la cera e di fatto incorporata nella materia pittorica con procedimenti oggi non più recuperabili.
Dietro a una questione del genere si sono affaticate menti assai sottili, senza mai giungere ad una soluzione definitiva.
Oggi si può dire che la dimostrazione elaborata da Paternuosto ha tutta la dignità e la forza di convincimento per dover esser presa in attenta considerazione da tutti coloro che hanno veramente a cuore il progresso degli studi e la corretta conoscenza delle tecniche antiche. Paternuosto ha potuto dimostrare come la tecnica dell’encausto sia in realtà ricostruibile, su qualunque supporto, partendo dall’idea di base dell’incorporazione della cera nel colore, col conseguente riscaldamento delle superfici dipinte attraverso strumenti metallici che, appunto riscaldati e applicati alla pittura provocano lo sciogliersi della cera all’interno della stesura e la sua stabilizzazione definitiva all’interno della pittura stessa con quell’effetto di brillantezza ed omogeneità assoluta dell’insieme della pellicola pittorica che al tatto si manifesta liscia e compatta e nella sostanza costituisce un’unita di materia di straordinario fascino e pregnanza luminosa.
Partendo da questo presupposto semplice ma di immediata comprensione, il nostro ricercatore ha sviluppato innumerevoli aspetti collaterali dello studio e li presenta adesso per sollecitare l’attenzione, la critica ed il dibattito dei conoscitori d’arte, animato da onesta dedizione al lavoro e da un’encomiabile moralita, cosi tipica per chi viene da una corretta tradizione artigiana e vuole esporsi al giudizio altrui con limpida coscienza ed apprezzabile discrezione.
Prof. CLAUDIO STRINATI
Soprintendente per i Beni Artistici e Storici di Roma
Roma Luglio 2006
Non ho altro merito, nei riguardi del maestro Paternuosto, se non quello dell’amicizia. Ci conosciamo da molti anni. Lui ebbe fiducia in me e io in lui e, e da allora, questo legame è rimasto forte e vivo. Io riconobbi subito in lui, e penso che oggi tutti lo riconosceranno, l’impegno e lo scrupolo del vero scopritore, colui , cioè, che crede nella propria ricerca e nelle capacità di investigazione senza alcuna presunzione ma anche senza falsa modestia. Mi colpì il procedimento seguito da Paternuosto nella sua attitudine a studiare il mondo antico, immune da qualunque pregiudizio. Il tema era ed è bellissimo perché riguarda uno dei grandi misteri (che mistero non lo è affatto) della tecnica artistica degli antichi: encausto. “Quanto è stato detto e scritto sull’argomento!” pensai quando ebbi l’occasione di avvicinarmi al lavoro di Paternuosto nella sua bottega. Mi accorsi, poi, che lui stesso lavorava come gli antichi e che non aveva alcun timore reverenziale verso chi ci ha preceduto. Aveva soltanto il giusto atteggiamento, misto di reverenza e fiducia, di riuscire a capire cosa accadde veramente al tempo dei romani, visto e considerato che quegli uomini erano come noi, non erano dotati di superpoteri ma avevano una competenza e una dedizione assolutamente straordinarie. Non voglio sovrappormi al caro maestro e mettermi a spiegare, quale sia stata la sua scoperta come egli l’abbia approfondita.
Prof. CLAUDIO STRINATI Soprintendente al Polo Museale Romano
Sanat alanında, sanatçıların “adını duyurmasına” olanak tanıyacak yol arayışları giderek daha yoğun hale gelmektedir. Bu yollar içinde sanat galerileri, sanatseverler ve sanat tacirleri, hatta günümüzde daha çok kullanılan deyimlerle ifade edersek, sponsorlar, internet, eleştirmenler, müzeler ve müzayede evleri hiç kuşkusuz en önemli ve zorunlu olanlarıdır. Daha öz bir ifadeyle bunları “üreticiden” “tüketiciye” kadar götüren zincirin halkaları olarak tanımlayabiliriz.
Müzeler ve sanat galerileri, günümüzde dünyanın dört bir yanında gerçekleşen büyük miktarda sanat üretimi dikkate alınacak olursa, sanatçıların ve sanat eserlerinin sadece çok küçük bir yüzdesini sergilemektedirler. Zaten internetteki başlıca social network’lere yada sanat temalı portallere girdiğimize, kafamızda üretilen bu miktarın boyutu hakkında belli bir fikir oluşabilir. Nitekim internet bugün milyonlarca sanatçının eseriyle dolmuş durumdadır. Bir ara bu temel vitrinlerden de söz etme fırsatı bulacağım. Venedik Biyenali gibi tarihi ve prestijli sergiler son yıllarda organize ettikleri etkinliklerde bir şekilde yükselmekte olan trendlere yer verdiler. Bu da kanaatimce bu biyenallerin, üretim tarafından gelen baskıyı zayıflık yada bazı sınırlar nedeniyle bertaraf edemeyerek seçici olmak gibi önemli ve gerekli bir fonksiyonlarını kaybetmelerine yol açtı.
Bu tür yöntemlerin görüntü dışında sanata ve sanatçılara fazla bir yardımı dokunmamakta, kafa karışıklığı yaratmak ve boş umutları beslemekten başka bir katkısı olmamaktadır. Bir zamanlar biyenale katılmak halka sunulma sürecinin varış noktası addedilirdi; şimdi ise bir çokları için sadece herhangi bir noktadan başka bir şey değil. Sanat galerileri ve sergi alanlarının sayısındaki çoğalma bu sürece katkı sağlar gibi görünse de, üstte saydığım nedenlerden dolayı bu katkı azaldığı gibi, pazarın, bir sanatçının değeri ve kalitesine ilk yatırım yapan kişi ve bir otorite olarak gördüğü sanat galerisi sahibinden beklentilerini bir kaç istisna dışında gitgide azaltıyor.
Sanat fuarları, sanatsal üretimin sunduğu ve artık dünyanın bütün ülkelerindeki özel ve resmi sergi alanlarının kapasitesini aşan büyük arz miktarına bir yanıt olarak karşımıza çıkıyor.
70’li yıllardan başlayarak sanat fuarları sayılarını arttırıp yerlerini sağlamlaştırdılar ve Basel’den sonra Avrupa’nın Bologna, Paris, Köln, Milano gibi diğer merkezlerinde de yer almaya başladılar… Finans piyasalarındaki krizlerin sanat sektöründeki yansımaları neticesinde ortaya çıkan ekonomik zorluklara rağmen, bu fuarlar artık konsolide olmuş birer gerçek.
Zaten İtalya gibi kültürel etkinliklerin son derece zengin olduğu bir ülkede bile son yıllarda sanat fuarlarının Padova, Arezzo ve Reggio Emilia gibi küçük ve orta ölçekli kentlerde yaygınlaşmalarını tesadüflere bağlamamız yanlış olur. Bu yaygınlaşma sürecinin arkasındaki sır eserlerini sergileyen sanatçılara verilen hizmetlerin çok kaliteli olmasında ve bu eserlerin yoğun sanatsever kitleleri tarafından izlenmesini sağlayan ciddi reklam etkinliklerinde yatıyor. Başarının diğer anahtarları; fuarlardaki dekor, donanım ve aydınlatma sistemlerine gösterilen özen, pavyonlardaki yan hizmetler, kaliteli yeme-içme alanları, sanat dergisi ve katalog editörlerine ayrılan standlar ile özel bazı etkinlikler diyebiliriz. Bu sene Reggio Emilia’da sergilenen eserler arasında Emilio Vedova, Renato Guttuso, Venturino Venturi’nin seçme eserleri, Pinocchio (Bir kuklanın hikayesi adı altında sunulan İtalyan usulü bir “Pop-Pinocchio”), kişisel sergiler, sanat konferansları ve buluşmaları gibi etkinlikler yer aldı.
Sonuç olarak, uluslararası üne sahip Maestro’dan tutun, konuk akademi öğrencisi kimliğini taşıyana varıncaya kadar, eser sergileyen her bir sanatçı kendi eserinin New York MOMA’da bir Andy Warhol eserine gösterilen özenle sergilendiğini fark etti. Üstelik eserlerinin İtalya’nın en iyi sanat editörleri tarafından gerçekleştirilen fuar kataloglarında yer alması da, sanatçılar için otomatikman önemli galeriler tarafından görülmek anlamı taşıyor. Nitekim bu katalogların, fuar ve sergi gibi etkinliklerin bir hikayesini içeriyor olmaları nedeniyle, aynı zamanda başlattığımız araştırmanın zorunlu geçiş noktalarından birini oluşturan önemli birer çalışma enstrümanları oldukları yadsınamaz bir gerçek.
In Italia è grande la tradizione dei giochi popolari con le carte. Le carte da gioco sono sostanzialmente lo specchio di quell’Italia dei comuni che neppure, e per fortuna, l’unità nazionale ha rimosso. Piacentine, napoletane, venete, romagnole, milanesi, genovesi, triestine, toscane, siciliane… solo alcune delle tantissime versioni con cui nel nostro paese si ama giocare briscola,scopa e tressette , sicuramente tra i più diffusi giochi tradizionali dei quali non c’è festa, ricorrenza o sagra paesana che non preveda almeno un torneo in cui le armi di medioevale memoria sono sostituite da: spade, bastoni, coppe e denari nelle varianti di colori e disegni note a chiunque
Üsküdar, un’altro di quei quartieri veramente imprendibili della grande Istanbul. L’affaccio sul Bosforo è caratterizzato dall’onnipresente ponte, ormai uno dei simboli della metropoli e dalla Kızkulesi, o Torre di Leandro, al largo di Üsküdar, l’isola faro, resa celebre da uno dei film dell’agente 007. Molto interessante è la visita delle moschee ognuna con particolarità e caratteristiche, tra queste, per le piccole e graziose dimensioni oltre che per la posizione invidiabile vale tutta la passeggiata necessaria a raggiungerla, la visita alla Șemsi Ahmet Pașa Camii
Sanat alanında, sanatçıların “adını duyurmasına” olanak tanıyacak yol arayışları giderek daha yoğun hale gelmektedir. Bu yollar içinde sanat galerileri, sanatseverler ve sanat tacirleri, hatta günümüzde daha çok kullanılan deyimlerle ifade edersek, sponsorlar, internet, eleştirmenler, müzeler ve müzayede evleri hiç kuşkusuz en önemli ve zorunlu olanlarıdır. Daha öz bir ifadeyle bunları “üreticiden” “tüketiciye” kadar götüren zincirin halkaları olarak tanımlayabiliriz.
Müzeler ve sanat galerileri, günümüzde dünyanın dört bir yanında gerçekleşen büyük miktarda sanat üretimi dikkate alınacak olursa, sanatçıların ve sanat eserlerinin sadece çok küçük bir yüzdesini sergilemektedirler. Zaten internetteki başlıca social network’lere yada sanat temalı portallere girdiğimize, kafamızda üretilen bu miktarın boyutu hakkında belli bir fikir oluşabilir. Nitekim internet bugün milyonlarca sanatçının eseriyle dolmuş durumdadır. Bir ara bu temel vitrinlerden de söz etme fırsatı bulacağım. Venedik Biyenali gibi tarihi ve prestijli sergiler son yıllarda organize ettikleri etkinliklerde bir şekilde yükselmekte olan trendlere yer verdiler. Bu da kanaatimce bu biyenallerin, üretim tarafından gelen baskıyı zayıflık yada bazı sınırlar nedeniyle bertaraf edemeyerek seçici olmak gibi önemli ve gerekli bir fonksiyonlarını kaybetmelerine yol açtı.
Bu tür yöntemlerin görüntü dışında sanata ve sanatçılara fazla bir yardımı dokunmamakta, kafa karışıklığı yaratmak ve boş umutları beslemekten başka bir katkısı olmamaktadır. Bir zamanlar biyenale katılmak halka sunulma sürecinin varış noktası addedilirdi; şimdi ise bir çokları için sadece herhangi bir noktadan başka bir şey değil. Sanat galerileri ve sergi alanlarının sayısındaki çoğalma bu sürece katkı sağlar gibi görünse de, üstte saydığım nedenlerden dolayı bu katkı azaldığı gibi, pazarın, bir sanatçının değeri ve kalitesine ilk yatırım yapan kişi ve bir otorite olarak gördüğü sanat galerisi sahibinden beklentilerini bir kaç istisna dışında gitgide azaltıyor.
Sanat fuarları, sanatsal üretimin sunduğu ve artık dünyanın bütün ülkelerindeki özel ve resmi sergi alanlarının kapasitesini aşan büyük arz miktarına bir yanıt olarak karşımıza çıkıyor.
70’li yıllardan başlayarak sanat fuarları sayılarını arttırıp yerlerini sağlamlaştırdılar ve Basel’den sonra Avrupa’nın Bologna, Paris, Köln, Milano gibi diğer merkezlerinde de yer almaya başladılar… Finans piyasalarındaki krizlerin sanat sektöründeki yansımaları neticesinde ortaya çıkan ekonomik zorluklara rağmen, bu fuarlar artık konsolide olmuş birer gerçek.
Zaten İtalya gibi kültürel etkinliklerin son derece zengin olduğu bir ülkede bile son yıllarda sanat fuarlarının Padova, Arezzo ve Reggio Emilia gibi küçük ve orta ölçekli kentlerde yaygınlaşmalarını tesadüflere bağlamamız yanlış olur. Bu yaygınlaşma sürecinin arkasındaki sır eserlerini sergileyen sanatçılara verilen hizmetlerin çok kaliteli olmasında ve bu eserlerin yoğun sanatsever kitleleri tarafından izlenmesini sağlayan ciddi reklam etkinliklerinde yatıyor. Başarının diğer anahtarları; fuarlardaki dekor, donanım ve aydınlatma sistemlerine gösterilen özen, pavyonlardaki yan hizmetler, kaliteli yeme-içme alanları, sanat dergisi ve katalog editörlerine ayrılan standlar ile özel bazı etkinlikler diyebiliriz. Bu sene Reggio Emilia’da sergilenen eserler arasında Emilio Vedova, Renato Guttuso, Venturino Venturi’nin seçme eserleri, Pinocchio (Bir kuklanın hikayesi adı altında sunulan İtalyan usulü bir “Pop-Pinocchio”), kişisel sergiler, sanat konferansları ve buluşmaları gibi etkinlikler yer aldı.
Sonuç olarak, uluslararası üne sahip Maestro’dan tutun, konuk akademi öğrencisi kimliğini taşıyana varıncaya kadar, eser sergileyen her bir sanatçı kendi eserinin New York MOMA’da bir Andy Warhol eserine gösterilen özenle sergilendiğini fark etti. Üstelik eserlerinin İtalya’nın en iyi sanat editörleri tarafından gerçekleştirilen fuar kataloglarında yer alması da, sanatçılar için otomatikman önemli galeriler tarafından görülmek anlamı taşıyor. Nitekim bu katalogların, fuar ve sergi gibi etkinliklerin bir hikayesini içeriyor olmaları nedeniyle, aynı zamanda başlattığımız araştırmanın zorunlu geçiş noktalarından birini oluşturan önemli birer çalışma enstrümanları oldukları yadsınamaz bir gerçek.
La società de’ Borg si è resa promotrice di una iniziativa lodevole e molto apprezzata, ricordare i marinai dell’antico borgo San Giuliano di Rimini. Certo per chi passeggia oggi nelle vie del borgo è difficile comprendere che questa comunità fosse una comunità di marinai. Oggi il mare sembra lontano e comunque legato esclusivamente al turismo e non più alla pesca. Quindi, bene è stato ricordare i Marinai e le loro case, con le belle targhe dipinte da Giuliano Maroncelli che riproducono barche d’epoca. E l’occasione mi sembra giusta anche per ricordare i tanti “personaggi” vissuti in questa comunità, i loro nomi erano ricordati su un muro, e mur dei soranom, davanti alla trattoria ”Il Lurido”. Un restauro ha distrutto questa testimonianza. Lancio da qui il mio appello per proporre la ricostruzione di questa pagina della memoria, muri o spazi idonei non mancano.
Le tele estroflesse di Hector sono di una raffinatezza che non teme confronti, forme che trasferiscono la sensazione del morbido e leggero, forme che, soprattutto, ci permettono di comprendere la grande forza creativa di un artista senza rivali nella sua capacità di plasmare a piacimento la materia, come se fosse morbida cera.
Maurizio Brambilla è passato attraverso un magniloquente momento d’ispirazione surrealista, nel quale esprimeva l’originalità di una visione scenico-teatrale dei rapporti fra figure in metafisici atteggiamenti: una fase di formazione che si riscontra nelle sue tele avvertendo uno sforzo e un ostinato impegno alla ricerca di una dimensione umana profonda, non immediatamente apparente e, tuttavia capace di lasciare i suoi segni drammatici e tesi sulle cose. Brambilla conferma il senso della sua immagine, spostandone lo scenario dal piano rarefatto che faceva da sfondo ai suoi primi quadri (le maschere del Teatro Italiano) a quello più immediato di un esercizio pittorico da lui abilmente mediato dai richiami dei mass media, di una comunicazione esplosa, frammentaria. Sono schegge di una realtà avvicinata iperrealisticamente: le figure, prima appannate ed enigmatiche nel flusso di sensazioni distanti, sopra le righe delle cose, testimoniano quasi con foga la loro presenza, la loro inquietudine. La misura di una classicità arcana che nei pezzi meno recenti può far pensare a G. De Chirico, si disperde, a favore di una visione fatta di contrapposizioni più stridenti e subito riconoscibili.
Enrico Lombardi, painter and writer, was born in Meldola in the province of Forlì (Italy) in 1958. For over thirty years he has been showing intensively both in Italy and abroad, an activity which went along with his endless reflection on the philosophy of the visual language. After attending the School of Visual Arts in Bologna he takes part to many group shows among which the “First Mediterranean Biennial” in Barcelona, Spain and the “Young Biennial” in Bologna in 1985; twice to the “Premio Campigna/Campigna Award” in S. Sofia, Italy in 1987 and 1990; “Pitture. Il sentimento e la forma/Paintings. Shape and sentiment)” in Treviso and Bologna in 1996; the “Prima Biennale della figurazione fantastica e meravigliosa/First Biennial of the fantasy and wonder figuration) inside the chambers of the Castle in Poppi, Tuscany in 1997; “Sui Generis” at the P.A.C. in Milan in 2000; “Figure del ’900 (2)”/Figures from the XX Century (2)in Bologna in 2001; “Urban landscape” at the Carousel du Louvre in Paris in 2005. Many are also his one-man shows, three of them at the “Forni Gallery” in Bologna and Milan (2000-2002-2006); two monographic shows, one at the Wimmer Gallery in Montpellier, France (1999) and the second at the “Galleria delle Arti” in Bologna (1997); “Distances” in Apt (2004); “L’oro della memoria/The gold of memory” at the Art Bank in London (2005). The art critic Alessandro Riva has invited him to take part to the art group “Italian Factory” for the “New Italian Figuration” and he has been part of it since 2004. With this project he shows his work in the shows “The new Italian art scene” at the Taipei Museum of Art in 2007; “New figuration … to be continued” at the Borroni Foundation and “Rumors” at the Arsenal in Turin both in 2008 and “No Landscape” at the Bandera Foundation in 2009. The second volume of “I Quaderni di Italian Factory/The notebooks of Italian Factory” edited by Charta called “Voci nel buio/Voices in the dark” comes out in 2006 and contains a brand new story by the writer Edoardo Albinati. In 2007, along with his one-man show at the Museum of Art in Forlì, a monographic book published by Electa both in Italian and English comes out. The book called “Il Grido Silenzioso/The Silent Cry” is curated by the philosopher Rocco Ronchi with whom he has collaborated and been friend for many years. In 2007 the art critic Vittorio Sgarbi invites him to the show “Arte Italiana 1968-2007. Pittura/Italian Art 1968-2007. Painting” to remark his constant presence on the new Italian art scene. His work is also present in many Museum collections, such as the Museums in Conegliano, Ravenna, Forlì and Davis Museum in Barcellona. His work has been reviewed over the years in main Italian art magazines and several among the most important Italian critics and writers have dedicated time over time extensive essays to his work (Marco Goldin, Michele Loffredo, Nicola Micieli, Claudio Spadoni, Marco Di Capua, Alessandro Riva, Vittorio Sgarbi, Chiara Canali). Extremely rich is also his collaboration with poets and philosophers with the result of several texts for the purpose of reading and interpreting his art (Rocco Ronchi, Fulvio Abbate, Umberto Fiori, Silvia Lagorio, Federico Leoni, Edoardo Albinati, Antonella Anedda, Carlo Sini). A selection of his theoretical writings has been published in the book “Al limite del mondo, Filosofia, estetica, psicopatologia/To the limit of the world, Philosophy, aesthetics, psycho-pathology” curated by Federico Leoni and Mauro Maldonato (Dedalo Edition 2002) as well as in many of his monographic catalogues.
In the fall of 2009 the art critic Marco Goldin invites him to the show on the new italian painting “Pittura d’Italia” (Italy’s painting) exhibited in Rimini along with the collection of the Boston Museum of Fine Arts; and the Show “Italia dipinta” (Painted Italy) at the IULM University in Milan, curated by his students and attested by a Catalogue edited by Silvana Editoriale. Towards the end of 2009 a one-man show “Il tempo dell’ombra” (The shadow time) curated by Chiara Canali and presented by the poet Antonella Anedda takes place in Ravenna with the support of the Ravenna Culture Council and the Museum of Art. A new collaboration with the Blackheath Gallery in London has been operative since 2010. In the year 2011 he was invited to the 3th Edition of the “Maretti Award. Valerio Riva memorial” held in the prestigious halls of the Pecci Musuem in Prato Italy and to the 54th Venice Biennial (International Art Exhibition), chosen by the Italian philosopher Carlo Sini, at the Arsenal Corderie in Venice. In the Fall 2011 he organizes and installs his own one-man show “The patience of the shadow” presented by Carlo Sini and sponsored by the Municipal Musuems at the Church of the Pio Suffragio in Bagnacavallo, near Ravenna”.
Spaziosa e con ambienti ben distribuiti questa galleria di Istanbul ha ospitato recentemente la mostra di Murat Tolga, interessantissimo artista già presente in Italia e Turchia nel ciclo di eventi del gruppo “Sintesi”
